Jeu point bonus du 21 au 28 Novembre

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Quel est le nom d'artiste de Sara Bagot, artiste qui est intervenue ce mois-ci au LCF ?

Sequence 2 terminale: Le Corps - repère artistique et culturel

 

Edouard Manet, Olympia, 1863
Huile sur toile, Musée d'Orsay, Paris
--> Invention de la modernité. Nu réaliste, refus de l'idéalisation et de la perfection des proportions de le Renaissance et de l'antiquité.

Henri Matisse, Ensemble des quatre "Nu de dos", 1909-1956
tirages en bronze postum d'après des plâtres
--> redécouverte des arts premiers qui à une grande influence sur les avant-gardes du début du XXième siècle.

Portrait d'André Breton dans son appartement du 42 rue Fontaine, Paris, en juin 1955. 
Photo © Sabine Weiss

Vue de l’exposition Alberto Giacometti à la 31e Biennale de Venise, 1962.
Photo : Bo Boustedt Archives de la Fondation Giacometti, Paris © Succession Alberto Giacometti (Fondation Giacometti + ADAGP) 2020
--> Le dépouillement, la recherche de l'essentialité

Julio González. Don Quichotte (Don Quijote), 1929-1930
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
--> un dessin dans l'espace. Après l'affinage de son style formel au coté de Picasso il commence à travailler à partir de pièce trouvée chez les ferrailleurs, annonçant la sculpture moderne

Antony Gormley, exposure, sculpture, 2010
travail in situ, Pays-Bas
--> a partir de moulage de son propre corps qu'il utilise comme modèle il question des relation du corps avec l'espace. Certaines sculpture confine à l'abstraction.
https://www.antonygormley.com/

Lucian Freud, la mère du peintre, 1975
Huile sur toile, collection privée
--> Le corps, la chair, sa masse, sa presence et le poid du temps. Pose très longue de plusieurs jours, tablaux travaillé parfois plusieurs années

Francis Bacon, Autoportrait, 1971
Huile sur toile, Centre Pompidou, Paris
--> Le corps disloqué devenu chair. Une peinture expressionniste qui relis les oeuvres du passé, notament religieuses. 

Pablo PIcasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907
Huile sur toile, MOMA New-York
--> Invention du cubisme, révolution des avant-gardes

Willem De Kooning, Woman I, 1950
Huile et peinture metallique sur toile, MOMA New-York
--> rejet des canons de beauté et de vraisemblance de la figuration au profit de l'expression et du geste pictural. Annonce l'expressionnisme abstrait de Pollock 

Duane Hanson, Voyageur, 1988
Matériaux mixtes
--> Hyperréalisme, miroir tendu au spectateur, critique de l'époque

Ron Mueck, Une fille, 2006
acrylique sur fibre de verre et résine de polyester, 110,5 x 134,5 x 501 cm
https://ropac.net/artists/63-ron-mueck/
--> Corps monstrueux par le changement d'échelle, sentiment de malaise du spectateur 

Sous le terme d’abattis, Rodin désigne ces « morceaux » de corps – bras, têtes, jambes, mains et pieds – de toutes dimensions, modelés en terre avant d’être moulés et tirés en plâtre. Il se constitue ainsi un répertoire de formes dans lequel il puise à volonté pour compléter ses figures fragmentaires, sans aucun souci de vraisemblance, ou réaliser des groupes et assemblages très libres.

Cette manière de travailler permet de plonger au cœur du processus de création de Rodin qui, tel un démiurge, compose, décompose et recompose sans cesse. Il y a là quelque chose de très moderne dans cette façon d’appréhender la création à partir d’éléments préexistants, exécutés en série, de manière à favoriser le geste rapide et spontané de l’artiste, réduisant, si l’on peut dire, le temps d’exécution entre la pensée et l’acte créateur. Les petits bras illustrés ici donnent également une idée de la richesse des attitudes – bras tendus, coudés, main fermée, ouverte, poignet cassé – et de l’immense créativité de Rodin, qui part toujours de la réalité pour donner vie à ses créations. (Source musée Rodin)

John Coplans, Autoportrait (mains appuyées sur les genoux), 1985
photographie argentique 
--> le Corps monumentale, le detail, la partie pour le tout

David Hockney

Jeu Point Bonus du 14 au 21 Novembre

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De quel musée sont issues les pièces Egyptienne antiques présentées au CAEE d'Escaldes (Réponse ici)?

Le Point Philo: Diderot et le retour à la nature de Rousseau

  Spécialité Arts Plastiques: Le Point Philo

Rousseau et le retour à la nature Pour Jean-Jacques Rousseau, la nature est un refuge contre la corruption de la société. Dans La Nouvelle Héloïse (1761), il écrit : « La nature a fait l’homme heureux et bon, mais la société le deprave et le rend misérable. » Cette idée inspire une nouvelle sensibilité artistique, où le paysage devient le miroir d’une émotion pure, loin des artifices urbains.

L’écho chez Joseph Vernet : La Vue de Toulon depuis le Faron Joseph Vernet, peintre des Lumières, incarne cette quête de nature idéalisée. Dans La Vue de Toulon depuis le Faron (1754), il ne se contente pas de représenter un port militaire : il sublime le paysage par une lumière dorée, une atmosphère sereine, et une composition qui invite à la contemplation. Les rochers escarpés, la mer calme et le ciel infini évoquent une nature à la fois majestueuse et apaisante, comme un appel à l’harmonie perdue que Rousseau théorise.

Lien entre philosophie et peinture Vernet, comme Rousseau, célèbre la nature comme source de vérité et de beauté. Ses paysages ne sont pas de simples décors, mais des espaces où l’homme peut retrouver sa place, entre raison et émotion.

Joseph Vernet, Vue du Port de Toulon depuis le Mont-Faron, 1756

Denis Diderot (1713–1784) : une vie au service des Lumières Philosophe, écrivain et encyclopédiste, Denis Diderot incarne l’esprit des Lumières par son engagement pour la diffusion du savoir et la liberté de pensée. Né à Langres, il s’installe à Paris où il dirige l’Encyclopédie (1751–1772), projet monumental visant à rassembler et démocratiser les connaissances de son temps. Ses œuvres, comme Le Neveu de Rameau ou La Religieuse, mêlent philosophie, critique sociale et exploration des passions humaines. Diderot défend l’idée que l’art doit émouvoir et instruire, une conviction qui transparaît dans ses Salons, où il commente les expositions artistiques avec un regard à la fois sensible et analytique.

Une amitié féconde : Diderot et Joseph Vernet Diderot entretient une relation privilégiée avec le peintre Joseph Vernet, dont il admire la capacité à rendre la nature vivante et dramatique. Dans ses Salons, Diderot loue Vernet pour ses paysages qui « parlent à l’âme » et célèbrent la beauté sauvage du monde. Les deux hommes partagent une vision de l’art comme expérience sensorielle et morale : Vernet, par ses toiles, donne à voir ce que Diderot, par ses textes, cherche à faire ressentir. Leurs échanges illustrent la rencontre entre la pensée philosophique et la création artistique, où la nature devient le terrain commun de l’émotion et de la réflexion.

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Bibliographie sélective

• Rousseau, Jean-Jacques, La Nouvelle Héloïse (1761) et Les Rêveries du promeneur solitaire (posthume, 1782) Pour l’idée de nature comme refuge et source d’émotion.

• Diderot, Denis, Salons (1759–1781) Analyses des expositions, dont celles de Vernet ; réflexion sur le rôle de l’art.

• Starobinski, Jean, Jean-Jacques Rousseau : La transparence et l’obstacle (1957) Étude majeure sur la pensée de Rousseau, notamment sa relation à la nature.

• Friedländer, Michel, Diderot, études (1991) Approche des idées esthétiques de Diderot et de son amitié avec les artistes.

• Rosenblum, Robert, Joseph Vernet : Painter of the Sea (1978) Monographie sur Vernet, son style et son contexte intellectuel.

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🎥 Compléments audiovisuels

• « Rousseau, le rêve de la nature » (Arte, 2012) Explore l’influence de Rousseau sur la sensibilité romantique et la représentation de la nature.

• « Diderot, l’encyclopédiste » (France 5, série Les Grands Philosophes, 2015) Présente sa vie, son œuvre, et son rôle dans le monde artistique.

• « Les Lumières, une révolution culturelle » (Arte, 2019) Évoque les échanges entre philosophes et artistes, dont Diderot et Vernet.

Le Paysage: modalité d'exposition

 

Victoria Seimer, Reflected Landscapes, XXIième siècle
Source colossal
Paysage inversé (détail retourné DANS son espace)

Julia Gault, Bien que le monde se renverse, 2017
bâche imprimée, tube de cuivre, dimension variable, pièce unique
Paysage renversé 
https://juliagault.com/

TeamLab, Au dela des limites, 2018
Halle de La Villette, Paris
Paysage numérique, exposition immersive 

JR, Morro da Providência favela, Rio de Janeiro, 2008

Rosa Bonheur: Le Labourage Nivernais

 "Datée de 1849, cette scène décrit le premier labour, appelé sombrage, que l'on effectue au début de l'automne et qui ouvre la terre afin de l'aérer pendant l'hiver. On y voit dans une plaine joliment vallonnée et fermée par un coteau boisé, deux attelages de boeufs tirant de lourdes charrues et retournant un champ dont on aperçoit les sillons déjà éventrés.

Tout l'intérêt se concentre sur l'attelage du premier plan, sur ces boeufs du Charolais-Nivernais dont la robe claire, rousse et blanche, est mise en valeur par la lumière froide et claire qui enveloppe toute la scène. C'est d'abord une scène animalière, dont les héros sont les boeufs eux-mêmes, qui laisse peu de place à l'homme : le bouvier est bien petit sur cette toile. C'est un hymne au travail des champs dont la grandeur est d'autant plus magnifiée qu'il est aisé de l'opposer, en ces lendemains de révolution, aux turpitudes de la ville. C'est également une reconnaissance de la province, ici le Nivernais, de ses traditions agricoles et de ses paysages.
Tout ceci fit que cette oeuvre réaliste fut presque unanimement louée par la critique. L'Etat qui l'avait commandée à Rosa Bonheur en 1848 pour le musée de Lyon, préféra la conserver à Paris, au musée du Luxembourg. Elle entra ensuite au Louvre à la mort cette artiste, riche et célèbre, en France, en Angleterre, mais surtout aux Etats-Unis, avant de rejoindre les collections du musée d'Orsay." (source Musée D'Orsay)

Rosa Bonheur

Labourage nivernais

1849

huile sur toile

H. 133,0 ; L. 260,0 cm.

Achat après commande de l'Etat, 1849

© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) 

Composition

Les diagonales montre une construction rigoureuse qui laisse l'œil du spectateur se promener dans le grand format, avec de grand espaces vide (le ciel) comme lorsqu'on contemple un paysage.

Une division en quarte parties avec les deux groupes de six bœufs qui marquent un mouvement dynamique. La ligne d'horizon (en bleue) est placée  légèrement sous l'axe horizontale médian et met l'accent sur les yeux très expressifs et l'écume aux lèvres des animaux dont le réalisme à été salué par la critique de l'époque. (crédit du document M. Rochedreux)

Les lignes dynamiques et de perspectives crée un effet de mouvement. Le réalisme de la terre labourée au premier plan projette le spectateur DANS l'espace du tableau, aux vues de ses dimension. Effet qui sera repris par Gustave Courbet dans son enterrement à Ornans (1849) mais qu'on peux déjà trouver dans la Sainte Anne de Léonard De Vinci.

Tout est pensé, in fine, pour utiliser les moyens de la grande peinture d'Histoire appliqué à la peinture de genre, considéré comme mineur. (Source BNF)

Vue d'exposition avec cadre

Présenté comme document de travail de Rosa Bonheur, qui utilisait la photographie mais préconisait surtout le travail de dessin et l'étude sous forme de pochade (peinture rapide pour placer les couleur et la composition)

Une des nombreuse gravures sur le marché de l'Art à la fin du XIXième siècle qui montre le succès du tableau

A voir un extrait du documentaire Arte sur Rosa Bonheur ci-dessous

A écouter, un podcast sur le Labourage Nivernais (4mns)

Arts Visuels: Approches du volume

 1- Le relief

Travailler en relief sur une surface plane (Robert Rauschenberg, Julian Schnabel, Louise Nevelson, Kurt Schwitters...), créer une forme au sol avec des objets (Tony Cragg), créer un bas relief par la technique de la taille (bloc de béton cellulaire), de l'argile repoussé (Betty Woodman, Miquel Barcelo) ou du moulage d'empreinte.

Julian Schnabel, Sharon Stone, 2000

Louise Nevelson (1899-1988), Night flight #1, 1972

Tony Cragg, Palette, 1985

Donatello, Crucifixion, XVième siècle, marbre

Bas relief en béton cellulaire

2- Le modelage

Technique employé pour les matériaux souples (dits plastiques), réactifs à la chaleur ou à l'eau, qui durcissent par cuisson (argile, céramique, porcelaine) ou séchage (pâtes durcissante, plâtres, pâtes à modeler, cire). Le modelage permet aussi de faire de la création en stop-motion. 

Honoré Daumier, Buste Charge (Jacques Lefevre, banquier et député), 1833
Terre crue peinte (source Histoire par l'image)

Claire Linder

Elsa Alayse

Sophie Mouton-Perrat et Frédéric Guibrunet (Papier à être),
sculpture lumineuse en papier maché, 2016

Urs Fischer, sans titre,2011
Bourse du commerce de Paris

3- La taille

Pour les matériaux tel que le bois, la pierre, le marbre mais aussi plus tendres comme la stéatite, le béton cellulaire, la cire ou l'argile sec.

Gian Lorenzo Bernini, Apollon et Daphné, 1622–1625

Georges Baselitz, Frau ultramarin, 2004

Jean Arp, Étoile, 1939 - 1960,
Marbre/plâtre, 67 × 34 × 4 cm
(il existe plusieurs versions qui diffèrent en fonction du matériau)

Perle Mystérieuse à Fairbanks (Alaska), lors des World Ice Art Championships

4- Le moulage

Technique plus complexe par étapes pour réaliser des séries, en plâtre, en céramique ou en bronze.

Le moulage est une technique de reproduction d’une forme en trois dimensions. On commence par créer un moule (en plâtre, silicone, latex, etc.) à partir d’un modèle original, en y versant un matériau liquide qui durcit. Une fois le moule démoulé, on le remplit d’un matériau de coulage (résine, plâtre, métal, cire) pour obtenir une copie fidèle. Cette méthode permet de reproduire des détails fins et des textures, et est utilisée en sculpture, en design, en archéologie ou en industrie. Le choix du matériau du moule et de la pièce finale dépend de la précision, de la durabilité et du nombre d’exemplaires souhaités.

Camille Claudel. Cire perdue.
@EstelledeTalhouëtRoy

Germaine Richier, La montagne, 1955

Rachel Whiteread, Untitled (Domestic), 2002 © Rachel Whiteread

L'Inconnue de la Seine, moulage en plâtre (vers 1900)
Sur l'histoire de l'inconnue de la Seine

5- Le métal

En dehors du moulage en bronze, le métal peux être un matériaux, utilisé brut ou soudé dans des constructions.

Relief en métal repoussé

   

Jeff Koons, Balloon Dog (Blue), série commencée en 1994
Un article sur l'histoire des balloon dog 

Richard Serra, The Matter of Time, 1994–2005
Acier, Guggenheim Museum Bilbao, Spain

Alain Pontarelli, Bill Bocquet 2019
 Fer tors, pied de table cannelé Louis XVI, chaine,
130x27x19 cm (document d'Artistes)

Alexandre Calder, Portrait de Ferdinand Leger, 1933
Fil de fer

Jean Tinguely, Machine à dessiner
(plus de machines ici)

6- Le carton, l'assemblage et les matériaux mixtes

En art, l’assemblage désigne une technique et un courant artistique qui consiste à créer une œuvre en assemblant des objets, des matériaux ou des fragments préexistants, souvent issus de la vie quotidienne ou de la récupération. Ces éléments sont combinés, collés, soudés ou fixés ensemble pour former une composition nouvelle, chargée de sens.

La technique viens à la fois du cubisme  synthétique de Braque et Picasso, des pratiques potaches et irrévérencieuses de Dada et du bouleversement du Ready-made inventé par Marcel Duchamp.

Les pistes de travail vont de ce qui fait l'oeuvre (le socle ? le musée ? la technique ? l'idée ?), au recyclage (Les nouveaux réalistes), en passant par l'installation (Ilya Iossifovitch Kabakov), l'immatériel (Ann Veronica Janssen) et les nouvelles technologies (James Turell, Stelarc).

Trois ready-made de Marcel Duchamp

Raoul Hausmann, L'Esprit de notre temps - Tête mécanique, 1919

Giovanni Anselmo, Structure qui mange, 1968
Granite, laitue fraiche, fil de cuivre 

Installation de Tadashi Kawamata à l'hôtel de Coulanges, 2024

Warren King
Un article du  blog sur la carton dans l'Art

Niki de Saint Phalle, La Mariée (1963)
Grillage, plâtre, dentelle encollée, jouets divers peints, 226 x 200 x 100 cm
© Niki Charitable Art Foundation / Adagp, Paris
© Centre Pompidou, Mnam-Cci /Dist. Rmn-Gp

Joseph Cornell, Hôtel Eden, 1945

7- L'informe et l'immatériel

On va retrouver ici les matériaux aux formes non fixes et notamment le Textile Art (Hanna Washburn, le Gang de la wool)

Judith Scott, Sculpture de 2004, matériaux mixtes

Annette Messager, Faire des cartes de France, 2000
(Source de l'image)

Vanessa Barragão, vue d'installation issue de son site (corral garden)

Yayoi Kusama, A Bouquet of Love I Saw in the Universe, 2021,
Gropius Bau, Berlin. Photo: Luca Girardini.

Felix Gonzales-Torres, Untitled (Portrait of Ross in L.A.)
 Art Institute of Chicago

Ann-Veronica Janssens, Pink Yellow Blue, 2003
Vue d'installation (Source)

8- L'impression 3D et la sculpture assisté/augmenté

La sculpture contemporaine, boostée par l’impression 3D et la réalité augmentée, repousse les limites de la création et de l’interaction avec l’œuvre. Grâce à l’impression 3D, les artistes modèlent des formes complexes, impossibles à réaliser avec des techniques traditionnelles, en utilisant des matériaux variés (plastique, métal, céramique, voire bio-matériaux). Cette technologie permet aussi une production plus accessible, personnalisable et éphémère, questionnant la notion d’original et de copie. De son côté, la réalité augmentée superpose des couches numériques à l’espace physique, transformant la sculpture en une expérience immersive et interactive : l’œuvre peut évoluer, réagir au spectateur ou s’enrichir de contenus virtuels. Des artistes comme Refik Anadol ou Ian Cheng exploitent ces outils pour créer des installations hybrides, où le tangible et le virtuel s’entremêlent, invitant le public à repenser sa relation à l’art et à l’espace.

ORLAN, Shifting Dress Code, 2011, impression 3D, travail en volume de l'artiste autour du drapé baroque

ORLAN, Orlanoïde, 2018
commandée par le Grand Palais pour l’exposition Artistes & Robots, l'installation « Strip-tease artistique, électronique et verbal » clôture le parcours avec une performance théâtrale nourrie au deep learning. Avec humour et poésie, ORLAN nous propose de découvrir son double, un robot humanoïde qui danse, parle et chante avec sa propre voix et ressasse les obsessions qui ont jalonné son parcours d’artiste.

Sean Kenney

      

Alain Marc, le grand prométhée bleu
sculpture en réalité augmentée
Une interview de l'artiste

Art Orienté Objet, Culture de Peau d'Artistes, depuis 1991
Cellule de peau mises en culture et tatouée d'animaux en voie d'extinction et proposées à la greffe. 
Le bio-art est un mouvement d'art contemporain prenant pour médium les ressources plastiques offertes par les biotechnologies. Culture de tissus vivants (Art orienté objet), modifications génétiques (Eduardo Kac), morphologiques (Marta de Menezes), constructions analytiques et biomécaniques (Symbiotica), et la fusion de la Biologie et de l'informatique (Amy Karle). Ces expérimentations sont parfois en relation avec le propre corps de l'artiste (Orlan, Stelarc). (source wikipedia)

9- Architecture, Street art et Land Art

En tant que volume, la sculpture doit aussi prendre en compte son existence dans l'espace réel. Le travail In Situ ou le dialogue avec l'environnement est un questionnement essentiel de l'Art à partir des années 60.

Claes Oldenburg, The bat column, 1977

Slinkachu

Nils Udo, Feuille d'érable sycomore, 1972

10- La performance, le corps

En dernière instance, le grand sujet de la sculpture reste le corps. Il en est aussi son outil principal par le prolongement des ciseaux ou du burin. Il peux en devenir le matériaux même, allant chercher dans le théâtre et la danse, produisant des œuvres éphémères pouvant impliqué le spectateur.

Erwin Wurm, One minute sculpture, 1997-98

Vanessa Beecroft
À partir de 1994, elle commence une série de performances portant sa marque personnelle : le temps d'une soirée, généralement pour le vernissage-événement d'une galerie ou dans un musée, un groupe de personnes archétypiques — militaires en uniformes, femmes de type caucasien nues, femmes rousses nues — se tiennent debout, statiques, offertes à la contemplation.