A la suite des deux cours sur la vie et l'oeuvre de Vernet ainsi que sur l'histoire du port de Toulon, nous pouvons discerner comment le tableau représentant la ville et la rade depuis le Mont Faron est à la fois une documentation et une augmentation du réel.
La commande du Marquis de Marigny, pour Louis XV, précise bien que les vues de Ports de France doivent mettre en valeur la puissance maritime du pays, en l'inscrivant dans son époque avec les styles et coutumes de chaque régions.
Cette commande est la plus importante du règne de Louis XV et occupera Vernet durant dix ans.
Ainsi si on discerne très nettement la topographie et l'architecture des lieux, Vernet y ajoute à sa fantaisie, mais sur la base d'observation globale, des personnages et des ornements pour recréer une scène fictive mais vraisemblable qui amène la vie dans le paysage.
Dans la vue de la rade depuis le Mont Faron, on peux très nettement séparer la vue du premier plan, au tiers inférieur du tableau, dont la partie de plaisir composée par Vernet est une augmentation du réel, au reste du tableau dans le tiers supérieur, qui correspond à la documentation rigoureuse de la réalité géographique, architecturale et militaire.
On peux néanmoins nuancer légèrement cette affirmation dans la mesure où certains bourgeois de notre petit théâtre peuvent intégrer des portraits effectifs, comme c'est le cas dans la vue du port vieux qui offre la représentation de quelques personnalités militaires locales ou celle de l'entrée du Port Marseille qui met en scène le peintre lui même ainsi que l'ensemble de sa famille ; en contrepoint, la documentation, si précise qu'elle soit, s'accorde parfois des libertés dans les condition météorologique (on pense à la tempête de Sète) ou le choix des vaisseaux visibles au mouillage, existants mais toujours présents en lieu et place lors de réalisation de l'artiste sur place. En effet, la flotte du lieutenant général de la Galissonnière en partance pour Minorque n'occupait sûrement plus la rade lors des esquisses du peintre.
En définitive, la balance effectué par Vernet entre documentation et augmentation du réel offre aux génération futures, historiens et amateurs d'Art, un document très complet, non seulement de la ville de Toulon et de la vie économique et sociale des notables au XVIIIième mais aussi plus largement de la vision artistique et philosophique de l'époque (Art et Pouvoir, thème de l'Arcadie de Rousseau...).
Pour Alexandre Cantin, la raison de l’augmentation du réel visible est justifié par le désir de rendre compte du lieu de manière exhaustive. Par ailleurs, l’auteur souligne que le succès de la série de Ports de France est due à « leur rendu véridique des lieux et des situations, alors qu’elles esquivent certains détails gênants ou inesthétiques, car il est bien entendu que la vue fidèle doit également être un objet agréable à regarder ».
Bibliographie:
- Florence Ingersoll-Smouse, Joseph Vernet, peintre de marine, 1714-1789, 1926, réedition BNF Hchette Livre en deux volumes (la biographie est dans le volume 1)
- Emilie Beck Saiello, Car c'est Moy que je peins: stratégies familiales et professionnelles de Joseph Vernet à travers l'étude critique de son livre de raison et de sa correspondance, 2025, édition conférence en trois volume
- Académie du Var, Une histoire de Toulon vue par les peintres et les dessinateurs, 2021 deux volumes
- Michel Vergé-Franceschi, Toulon Port Royal 1481-1789, 2002 edition Alpha - Histoire
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Quel artiste sera le thème de l'experience multimédia qui sera proposé dès cette semaine à Escaldes (indice ici) ?
"Le bio art est une nouvelle direction de l'art contemporain qui manipule les processus de vie. Le bio art utilise invariablement une ou plusieurs des approches suivantes: 1) amener de la biomatière à des formes inertes ou à des comportements spécifiques; 2) utiliser de façon inhabituelle ou subversive des outils et des processus biotechnologiques; 3) inventer ou transformer des organismes vivants avec ou sans intégration sociale ou environnementale. C'est dans cette dernière approche que le bio art révèle son vecteur le plus radical, précisément parce qu'il travaille dans le vivant - entendons le vivant dans le sens le plus ordinaire du mot, de la simple cellule au mammifère. C'est dans ce sens organique que le bio art utilise les propriétés de la vie et ses substances, change les organismes à l'intérieur de leur propre espèce ou invente de nouvelles caractéristiques de vie. Le bio art soutient des stratégies évolutionnistes qui offrent des alternatives aux notions courantes de beauté (imaginez une rose bleu turquoise à pois rose avec des épines sur les feuilles) ou de singularité (imaginez un mammifère faisant la photosynthèse). Il peut faire prendre à des produits biologiques dérivés isolés ou inertes des formes jamais vues (imaginez toute une cité nanoscopique construite à partir de molécules d'ADN et de protéines isolées) ou des fonctions (par exemple de la poésie moléculaire écrite pour le umwelt des bactéries). Le bio art intervient dans le lignage des organismes existants par des approches aléatoires (éparpillement de graines qui provoque une pollinisation croisée avec des plantes sauvages) ou avec des programmes rigoureux d'élevage/ de reproduction (reproduction en va-et-vient qui isole les caractéristiques spécifiques et crée ainsi un être distinct). Le bio art fait des mutations se produisant rarement de façon naturelle le fondement d'une pratique donnée et ainsi ébranle le statut évolutionnaire secondaire. Il peut provoquer dans des organismes des changements somatiques ou au niveau des germes ou simplement utiliser leurs propriétés de façons inattendues. En théorie, beaucoup d'oeuvres d'art biologiques peuvent durer aussi longtemps qu'il y a de la vie sur cette planète à condition qu'elles soient capables de se reproduire ou de se répliquer. Finalement, on peut envisager un futur dans lequel la synthèse atomique de la vie sera possible, c'est-à-dire la création de nouvelles formes de vie, atome par atome. On peut penser, si l'astrobiologie révèle un jour l'existence de vie en dehors de la Terre, que les possibilités qui émergeront pour l'art seront illimitées. Le bio art ne doit pas se concevoir comme limité à ce que l'on comprend et ce que l'on sait faire aujourd'hui, il s'agit plutôt d'un principe général de création littéralement basée sur la vie." Edouardo Kac (Manifeste complet sur le site de l'artiste)
Eduardo Kac, GFP Bunny, 2000 Oeuvre transgénique créé comme une œuvre artistique revendiquée par l'artiste contemporain Eduardo Kac et produite par le généticien français Louis-Marie Houdebine. "GFP est l’abréviation de «Green Fluorescent Protein (Proteine Verte Fluorescente)»."Alba» était une lapine albinos. Elle a été créée avec l’EGFP, une mutation synthétique du gène original fluorescent vert de type sauvage trouvé dans la méduse Aequorea Victoria. Puisque Alba n’avait pas de pigment cutané, dans des conditions environnementales ordinaires elle était complètement blanche avec des yeux roses. Elle ne devenait verte fluorescente que lorsqu’elle était éclairée par une lumière spécifique. L’art transgénique est une nouvelle forme d’art basée sur l’utilisation de l’ingénierie génétique pour transférer des gènes naturels ou synthétiques à un organisme, afin de créer des êtres vivants uniques." (source galerie Charlot)
Hubert Duprat, étuis de larves de trichoptère, 1980-2000 sculpture en or, perles et pierres précieuses, 2,5cm environ Les larves de trichoptères construisent, pour se protéger, des structures par agglomération de matériaux. En proposant des matériaux précieux dans des élevages de larves, l'artiste utilise le vivant pour réaliser des sculptures précieuse entre Art, Joaillerie et oeuvre« acheiropoïète » (du grec « non fait de main d'homme»). (plus d'image du travail de l'artiste ici)
Art Orienté Objet, Artists Skin Cultures, 1996-97 Des fragments d'épiderme des deux artistes sont mis en culture et hybridé à des dermes de porc puis tatoués de motifs d'animaux en voie d'extinction. Le projet propose de greffer ces éléments sur l'achteur de l'oeuvre ou sur des artistes volontaire. On peux aussi citer l'oeuvre multimédia Le Manteau d'Arlequin d'ORLAN ou le Victimless Leather du Tissue Culture Project. Le blog d'Art Orienté Objet
2- Corps et technologie (Post-humain, cyborg, clonage, transhumanisme...)
Stelarc, exoskeleton, 1999 Les amplifications corporelles de Stelarc sont à la frontière de l'Art et de la science. Les prothèses robotique qu'il utilise pour ses performances sont assez influencé par les recherches de l'ingénierie militaire ou médicale. Par ce travail Stelarc cherche à définir ce que pourrait être l'homme de demain. Le site de l'artiste http://stelarc.org/_.php
ORLAN, ORLANOÏDE, exposition Artistes et Robots, Grand Palais, Paris, 2018
Il s’agit d’un robot humanoïde avec le visage d’ORLAN doté d’intelligence artificielle ainsi que d’intelligence collective et sociale.
Le robot, muni d’un générateur de textes et d’un générateur de mouvements, parle avec la voix d’ORLAN, car elle a enregistré 22 000 mots ensuite placés dans des MP3 séparés. L’artiste a travaillé en collaboration avec Jean-Pierre Balpe, un véritable pionnier qui a mis en ligne sur son site un générateur de texte en open source. L’installation était composée du robot et de deux grands écrans à LED avec des vidéos. L’une des vidéos était un théâtre du deep learning, les autres consistaient en des performances filmées questionnant notre époque : « J’ai faim, j’ai soif, mais ça pourrait être pire », « No baby no, où sont les écolos ? » et « Pétition contre la mort ».
C’est une œuvre témoignant de son intérêt pour l’hybridité, pour le corpsmachine, pour la sculpture, pour l’interactivité.
La mise en place de l’installation technique au Grand Palais a été assurée par Nicolas Gaudelet (Voxels Productions).
Actuellement, ORLAN travaille avec la société RASPIAUDIO pour développer le robot à l’aube de son exposition rétrospective au SESC Paulista de São Paulo, Brésil curatée par Alain Quemin.
Philippe PARRENO,Anywhere out of the World, 2000 "Philippe Parreno et Pierre Huygues ont acheté tous les droits d’un personnage de manga japonais, le dessin et tous les produits dérivés. Ils en ont fait un personnage d’animation qui, ensuite, a été confié à d’autres artistes qui, à leur tour, en ont fait d’autres œuvres. Annlee est devenue ainsi une coquille collective, une nouvelle manière de pratiquer la création contemporaine par le partage non d’un matériau mais d’un être virtuel." (source voir et dire.net)
3- Corps et métissage (entre héritage et modernité)
Nadin Ospina, Jefe Maori, 2014 Bronze Concept du melting pot que l'on retrouve dans le néo-pop Art de Takashi Murakami.
Yinka Shonibare, Astronaute refugié II, 2016 (Source Artera)
Kim Soo Ja, A needle Woman, 2005 Video muete Cette artiste coréen redéfinie la notion de performance dans ces vidéo ou elle apparait de dos, immobile en costume traditionnel coréen, dans des environnement en mutation. Cela questionne la place de la femme et des traditions dans un monde qui s'uniformise vers une hégémonie occidentale. (sur le site de la fondation Pinault)
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Quel photographe présente son travail en couleur au Pavillon Populaire de Montpellier en janvier 2026 (réponse ici) ?
La démarche de l'artiste polonais Roman Opalka depuis 1965 consiste à l'enregistrement du temps.
" À partir de 1965 il entame la série « détail » sous titrée « 1965 / 1 – ∞ ». Il compte à partir de cette date, sur toile, au peinceau, de 1 à l'infini en inscrivant, l'un après l'autre, les nombres qui s'écoulent jusqu'a un peu plus de 5.6 millions en 2011. La fin de chaque journée est ponctuée par la capture d'un autoportrait photographique. La juxtaposition des portraits successifs et des toiles en contrepoint sont, depuis cette date, la seule expression de son travail, un processus." (source ap chronique)
"Arrivé au nombre « 1 000 000 », en 1972, il décide de faire évoluer son travail. Dès lors, à chaque nouvelle toile entamée, il ajoute 1 % de blanc dans la peinture servant au fond de sa toile, initialement noir à 100 %. Petit à petit, les fonds blanchissent, marquant d'une nouvelle manière le temps qui passe. Toutefois, afin de ne pouvoir être accusé de « fraude », Roman Opałka veille à utiliser deux blancs différents, un pour ses nombres (blanc de titane) et un pour le blanchissement progressif de son fond (blanc de zinc). Aussi, même sur ses toiles les plus récentes (donc les plus blanches), on peut encore distinguer le tracé des nombres en regardant la toile sous un certain angle. À la mort d'Opalka, la sérieDétailscompte233 tableauxet s’achève avec le nombre 5 607 249." (Source wikipédia)
"Si l’on chiffre ce travail titanesque à la Raymond Queneau dans « Cent mille milliards de poèmes », il faut tracer 5 607 249 nombres, c’est-à-dire 38 139 612 chiffres, ce qui requiert quelque chose comme 80 millions de secondes, si l’on considère qu’il faut deux secondes pour peindre chaque chiffre. L’équivalent de deux à trois années en travaillant chaque seconde de ces années, sans tenir compte des années bissextiles et autres détails." (Source l'Art du temps)
On Kawara
De son côté l'artiste japonais On Kawara s'est appliqué à peindre chaque jour une toile dont l'unique inscription est la date de jour même. Il assorti ce tableau parfois d'un journal de la même date. (Plus d'information sur cet artiste ici).
Maarten Baas, The real time, 2009 Performance filmée de 12 heures (site de l'artiste)
Dans un travail de jeu avec le temps réel qui passe citons Real Time, de Maarten Baas où l'artiste efface et redessine en directe à chaque minute les aiguille donnant l'heure. (source the good life). Il n'est pas rare que la pratique de la performance soit liée à une réflexion sur le temps de l'oeuvre, que ce soit chez Marina Abramovic ou Francis Alys.
Dans une approche similaire on peux évoquer le film expérimentale Sleep, réalisé par Andy Warhol en 1963 et qui montre le poète John Giorno dormant sur une durée de 5h21 (le projet initiale prévoyait une durée de huit heure soit une nuit de sommeil avec l'actrice Brigitte Bardot). (Plus d'info sur le film ici)
2- Le temps symbolisé
Dans sa video Stil Life de 2001, Sam Taylor Wood montre le pourrissement de fruit par une vidéo accélérée. Cette oeuvre contemporaine s'inscrit dans la tradition du genre de la nature morte et plus particulièrement de la vanité, type de peinture mettant en scène des objets renvoyant au caractère fugace de la vie humaine.
Paul Cezanne,Nature morte aux pommes, 1890
Philippe de Champaigne, Vanité, 1646
3- Temps représenté
Marie-Ange Guilleminot, La Montre blanche, 1999 Fait partie de l'ensemble, La présentation des vêtements blancs de Hiroshima Ensemble (Ensemble indissociable)
La présentation des vêtements blancs de Hiroshima est une œuvre d'art conceptuelle majeure de l'artiste française Marie-Ange Guilleminot, créée dans les années 1990, qui présente des répliques en coton et lin de vêtements brûlés de victimes d'Hiroshima, exposés sur des portant pour partager la mémoire de la tragédie en dehors des musées, transformant des objets du quotidien en témoins poignants de l'horreur nucléaire et de la résilience, souvent accompagnée de dessins et d'études.Les deux traits noirs sur la montre entièrement blanche marquent l'heure de l'explosion
de la bombe atomique (8h15) sur la ville d'Hiroshima.
Salvador Dalí, La Persistance de la mémoire, 1931 (source Tag Heuer)
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